除了《on.my.own》之外，另外两首歌，在前世的原作者或者说演唱乐队，名气就要大得多了。



    simple.plan和black.veil.brides。



    前者有着“加拿大五月天”之称，这个说法多少带着点贬义的意味在里边。



    这支乐队从出道起就打着流行朋克的标签，不过后来就越来越偏向流行，朋克和摇滚的元素越来越少。



    尤其是到了2013年以后，简直不像是一支摇滚乐队，几乎变成了小鲜肉式的偶像组合，虽然年龄不那么小鲜肉就是了。



    这种情况，在朋克乐队，尤其是流行朋克乐队中很容易出现。



    因为朋克追求简单的风格，和流行有着太多的相似性，商业的元素稍稍浓一些，摇滚的味道就剩下不了多少了。



    很多以朋克风格出道的乐队，都有这样的问题，比如fall.out.boy，simple.plan，all.time.low等等。



    在许多对摇滚有着执念的歌迷眼里，这种行为是毫无疑问的背叛。



    对于这种指责，实际上没有太多站得住脚的地方。



    一切仅仅只是利益驱使，仅此而已。



    有歌迷的一句话说的很中肯，时代不同了，如果不向商业妥协，坚持朋克，你连他们的歌都听不到。



    就连被誉为朋克教父的green.day，后期都开始向商业妥协，何况是其它的乐队。



    后期的simple.plan如何不朋克、不摇滚，姑且不做评判。



    这支乐队至少在第一个十年里，确实拿出了不少非常不错的【流行朋克】作品。



    这支乐队的歌，罗杰u盘里存有的不多。



    在为数不多的几部作品里，罗杰挑出了《astronaut》这支单曲，加入到《怪胎》专辑中，排在第四位。



    ——这个排序仅仅只是按照歌词主题以及曲风变化来排，以保证整体的统一性，和歌曲本身在专辑中的地位或者说分量关系不大。



    这首歌，或者说它原本的专辑，几乎可以算是simple.plan最后一张带有朋克风格的专辑。



    虽然流行的比重已经高得有些过分，远远压过了朋克。



    这一首歌出现在《怪胎》专辑里，唯一的理由就是冲传唱度、冲销量，仅此而已。



    虽然它多少会拉低整张专辑在硬核摇滚乐迷中的口碑，但相比于带来的销量提升而言，这是可以接受的代价。



    毕竟这是一个商业化的时代，独立乐队坚持自我风格的选择固然值得尊敬，但如果想要成名，向商业妥协，是必不可少的。



    尤其是在乐队发展的初期。



    至于成名之后，地位足够稳固，那时候想怎么玩硬核都可以，反正会有足够多的粉丝买单。



    但很显然的是，乐队现在并没有这样的基础。



    而另一支乐队，名气比起simple.plan来要小得多，至少在太平洋对岸的那个国家是如此。



    不过在北***lack.veil.brides乐队的知名度并不低，唱片销量也还算不错，是各大销量榜单的常客，尽管从未获得过较高的排名。



    这支乐队很有意思。



    他们的乐手技术都不错，主唱的嗓音也很有辨识度。



    但整个乐队却有点奇怪。



    后硬核的手法、流行摇滚的曲风、视觉系的造型、以及正能量的音乐理念。



    就像他们乐队的名字一样，这是一个充满矛盾的乐队。



    ——黑色面纱的新娘，这个名字的灵感，来源于罗马的天主教会的修女加冕仪式。而众所周知，罗马的修女是禁止结婚的。



    罗杰对这支乐队，仅仅只是喜欢他们的歌，而不是其它。



    甚至于，因为乐队的视觉系造型太过于辣眼睛，罗杰几乎从不去看乐队的mv。



    演唱会现场要好得多，至少没有mv重那么辣眼睛的视觉系造型。



    和simple.plan的《astronaut》出现在《怪胎》专辑中的原因一样。



    《in.the.end》，这首black.veil.brides乐队的代表作，同样是为了冲销量而诞生。



    这首歌也是black.veil.brides唯一一首登上公告牌前半区的单曲，并在单曲榜单上保持了超过二十周。



    尽管排名都不算高，但对于一支流行元素不那么浓的摇滚乐队来说，二十周的在榜时间，已经是极为难得的事了。



    尤其是考虑到那是数字唱片的时代，这一点就更为难得。



    这两首歌，虽然都是为了冲销量而放进专辑里，但仍然需要做出符合专辑整体的改编。



    歌词方面当然是不需要的，本身就符合专辑的主题。



    ——如果从专辑整体的角度来解读的话。



    最大的问题在于歌本身。



    《in.the.end》还稍微好一点，虽然和另一首来自更加大牌的乐队的同名歌曲完全不同，但整体曲风上，摇滚的比重还是很重的。



    大段的吉他solo，虽然难度不高，但却是这首歌的亮点所在。



    尤其是从朋克摇滚的角度来看。



    罗杰所做的很简单，只是稍稍加重了吉他的音量，使其不会被声嘶力竭的人声所盖过。



    而另一首《astronaut》，为了使其更具有“摇滚风格”，而不是变成一首纯粹的“流行口水歌”，要做出的改动就更大。



    首先是吉他和贝斯的失真，在罗杰的要求下，两人选择了颗粒感更粗、偏干燥、力度更强的失真音色，这样可以显着增加这首歌所缺乏的力量感。



    朋克摇滚很少像金属摇滚那样，使用非常强烈的失真效果。但是用得少并不代表完全不用。



    事实上，任何一支摇滚乐队，失真效果总是必不可少的。



    区别仅仅只是在于使用哪一种。



    除了失真效果的调整之外，罗杰还对这首歌的唱法做出了改动。



    不使用原曲那种洗脑式的流行唱法，而是运用沙哑干涩的嘶吼，在歌词本身与世隔绝的疏离感之外，又添加了一丝绝望的情绪。



    这样的一番改动下来，整首歌已经是面目全非，完全变了一副模样。



    虽然还保留着原作的特点，但给人的感觉已经变得截然不同。



    如果说原作里，朋克摇滚的比重最多只能占到百分之十五，在罗杰的调整之后，朋克摇滚元素的分量，已经超过了百分之六十。



    尽管这仍然是整张专辑里，朋克比重最低的一首歌，但也已经不再是power-pop，而是pop-punk。



    《astronaut》、《on.my.own》以及《in.the.end》这三首歌的录制，断断续续用去了超过十天的时间。



    这个效率并不算让人满意，不过摆在乐队面前的，只剩下最后两首歌的录制。



    两首慢节奏的摇滚，虽然是迷幻摇滚，但从曲风上来讲，和《wish.you.were.here》有很大的相似度。



    不过在那之前，乐队首先要搞定其它的工作。



    先导ep中的四部mv的后期处理和剪辑已经完成，需要乐队参与到最终审核当中。



    ——虽然最终审核权在二十世纪娱乐手中，但乐队的建议，分量也相当的重，只要合情合理，或者说符合专辑的利益，绝不会被轻易无视。